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1，大卫 拉切贝尔的作品

是画的大卫吗？

大卫 拉切贝尔的作品

2，安妮莱博维茨的作品及作品介绍在哪能找到

1980年滚石杂志的封面由Annie Leibovitz拍摄， Lennon被枪杀小时4小时前的作品。它是Lennon死后只有滚石杂志作为顶部封面徽标。伟大的图片。

安妮莱博维茨的作品及作品介绍在哪能找到

3，杰里尤斯曼的摄影作品有什么特征

美国摄影家杰里·尤斯曼(JerryUelsman，1934～)出生于底特律，1957年毕业于罗彻斯特技术学院，1960年获得印第安纳大学硕士学位。此后，在佛罗里达大学任教，1974年成为这所大学的研究生指导教授。尤斯曼擅长暗房特技制作，被称为“影像的魔术师”。他的摄影作品，以令人惊奇的异常、神秘和谜一般的形象为特征，具有丰富的想像力和创造力。从1960年起，尤斯曼开始专注合成影像的实践。他将自己的创作方法，称为“幻觉效应的发现”。他在创作时，总是事先拍摄大量的岩石、海洋、天空、树木、人像等寻常影像，然后在暗房中，通过多架放大机，将几张不同底片上的影像，巧妙地叠合在同一画面中。尤斯曼的作品，具有强烈的超现实主义风格。它改变了正常的空间和比例关系，产生象征、变形、夸张、抽象的荒诞效果，折射出现代生活内在的本质。比如，他1961年创作的作品《象征性突变》，将一个男人的拳头和一个愁容满面的女性面孔叠合在一起，揭示了许多家庭悲剧的根源。尤斯曼曾经这样描述自己的创作：尽管暗房可以切断我和外面世界的联系，但是我在暗房中的活动，又和外面的宇宙万物有着千丝万缕的牵连。在暗房里，我可以静下心来，进行内心的对话，把我在外面拍到的影像和我内心的思绪结合起来。对我来说，暗房里的工作决不仅仅是技术性的，而是一种艺术的创造。1967年，尤斯曼以《摄影中的多次曝光放大技术》这篇论文，获得“古根海姆奖”，成为美国摄影史上第一个以学术研究获此奖项的摄影家。他的作品在世界各地举办过100多次个人展览，并被许多博物馆永久收藏。
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杰里尤斯曼的摄影作品有什么特征

4，芝加哥艺术学院好不好

芝加哥艺术学院(Art Institute of Chicago) 美国顶尖的艺术教育机构之一，由博物馆和学校两部分组成，建校于一吧陆陆年。其博物馆以收藏大量印象派作品以及美国艺术品著称，如莫奈、修拉、梵高、爱德华·霍普等人的作品。其学院则旨在培养视觉艺术人才，曾就学的有华尔特·迪士尼、乔治亚·欧姬芙等。如果是艺术留学的话要提前作好准备，很多专业都需要准备作品集的。欢迎您了解艺术留学芝加哥艺术学院的相关情况
芝加哥艺术学院哪些专业比较好？1、油画与素描专业SAIC的油画与素描学系蕴涵丰富哲理与绘画技巧。这是一个开放的、极具奉献精神与实验性的小世界。SAIC将提供你：超过70位仍在全球画廊、博物馆等一线创作的艺术家组成的教师团队；直通世界知名艺术百科博物馆的权限，这里汇集了超过5000年的全球文化创意表现手法可供学习借鉴;实验性的、跨学科的教学方式让学生得以展开想象；宽敞明亮的教室与批判空间给学生实践、讨论、参与对话、评估展览规划及演示报告提供了合适的场所。2、时尚设计专业芝加哥艺术学院的时尚设计学院在其艺术基础的背景下，因跨学科特色闻名于世界。这一专业的成功可以从荣誉校友列表上反映出，其中包含著名的设计师：马修·埃姆斯、沙恩·甘比、克里斯托弗·彼得斯风、加里·格雷厄姆、司顿、玛丽亚·平托、辛西娅·罗利等。3、摄影专业该学院对传统形式的图片创造较为关注，也使得SAIC的摄影相比于其他拥有与众不同的反响。在多种多样的概念结构下进行学习创造，研究生们为他们的工作奠基了理论性、历史性与批判性的基础。摄影学院拥有最为现代化思潮，哲理性、理论研究与较为顶尖的师资，带领学生进行当代摄影实践。在这样自由又富有创造性的氛围里，摄影专业的学生也经常到其他院系旁听，拓宽自己的知识面，寻求艺术灵感。SAIC的摄影学院还为学生们提供了很好的职业发展机会，所有的研究生都有机会担任教师助理，他们因此能够直接接触国际著名的艺术家们。

5，全球摄影史上有哪些值得推荐的摄影师及其摄影作品

知乎日报原文，想看图片去知乎最近常看摄影史和艺术史，简单介绍一下现代摄影时期（十九世纪末到二十世纪中期这段时间）的大师们。时代背景：在二十世纪初期，摄影分离派的诞生和发展标志着画意摄影向现代摄影的转型，追求即时拍摄、现场目击和真实感的照片已经渐渐取代浓重的绘画意味和印象派主义画意风格。阿尔弗雷德·施蒂格利茨一句话介绍：从早期追求画意摄影到确立以即时为主要审美对象这一过程做出了艰辛探索。终点站保罗·斯特兰德一句话介绍：注重形式美感，对现实生活本身进行直接拍摄，如实摄影的代表人物。白色栅栏爱德华·韦斯顿一句话介绍：关注于被拍摄对象的本质和结构，纯粹化的表达产生某种视觉游移，极具美感的观察方式对现代摄影的审美观产生重大影响。人体艾瑞克·萨洛蒙一句话介绍：在事件中适时抓拍的代表人物，为决定性瞬间理论的诞生奠定了基础。德法部长会谈玛格丽特·伯克-怀特一句话介绍：《生活》杂志创始人之一，用专题摄影的方式记录了二十世纪的许多重大事件。等待救济罗伯特·弗兰克一句话介绍：记录了二十世纪中期美国的真实生活状况，用摄影的方式见证了“垮掉的一代”思潮，并且提出了“非决定性瞬间”这一概念。美国人================================================================第二次更新，这次以人像摄影为主。爱德华·斯泰肯一句话介绍：催生了商业摄影新时代，是二十世纪最有价值的商业摄影师之一，并且推动摄影走向严肃艺术的殿堂，对摄影的发展有着极大贡献。克萝丽娅·丝昂森贝伦妮斯·阿博特一句话介绍：最初在巴黎是一位名人摄影师，拍摄了当时巴黎文艺界不少精英，之后拍摄了“大萧条”时期美国纽约的都市生活，也是早期关注同志生活的摄影师之一。尤金·阿杰奥古斯特·桑德一句话介绍：她的肖像作品既具有十九世纪“古典”肖像的庄严肃穆，也具有二十世纪现代肖像的灵活多变，其早期肖像收录在《时代的面孔》一书，是二十世纪最重要的肖像摄影师。时代的面孔阿诺德·纽曼一句话介绍：他的拍摄风格是将人物与其生活的环境相结合，素有“环境人像”之称。萨尔瓦多·达利优素福·卡什一句话介绍：典型的现代人像风格，作品的形式风格服从人物气质，对当代人像摄影有着极大影响。奥黛丽·赫本现代摄影是一个巨大无比的话题，在摄影史中随便截取一段都可以作为一个研究课题，以上只是简单介绍一下，各位随便看看就好。

6，风光摄影怎么运用光线

摄影通常会有两种用光方式：一种是等待合适的光线。美国当代风光摄影大师迈克尔法特利可谓是一位等待大师，为了拍摄出一幅有出色光线的照片，他常常会在一个地方等待几个小时甚至几天的时间。另一种是在现有的光线条件下，想出应对的方法。我们经常会听到摄影者谈论“好”或“坏”的光线，这其实只是光线是否能与主题相吻合的问题。第二种选择比较适合那些缺乏耐心的人和那些没有太多时间来摄影的人。拍摄方法1、光线的颜色：日出前，这样的场景让人感觉很清凉强烈的阳光使景物的颜色发生了转变2、晨光、暮光：想要拍摄出优秀的自然摄影照片，你必须牺牲一些睡眠时间。夏季的夜晚相对较短，所以在夕阳西下到清晨破晓之间通常只有短短几个小时的睡眠时间。如果从你的宿营地到拍摄目的地还有较长的一段路程，那么你的睡眠时间还会相应减少，而且大多数情况下你都需要在天亮之前就向目的地进发。在日出前的1个小时抵达目的地进行拍摄是完全值得的，因为光线正是从那时开始了激烈的色彩游戏。拍摄当天的天气状况良好，光线在地平线上形成了蓝色与红紫色的色带。有时候，在日出前云彩的色彩非常强烈—在夕阳西下的黄昏也同样如此。所以，为了捕捉到晨光和暮光的魔力，等待一段时间是非常值得的。3、日出、日落：如果此时太阳从地平线冉冉升起，那么你所处的环境在短短几秒钟内就会发生巨大的变化。当阳光透过云层折射到地面上时，你周围的景物也会散发一种独特的韵味。没有了云彩，这场视觉盛宴很快便会结束—夏天这种情况很常见，因为早上6点钟的阳光就已经很耀眼了。相反，这样的场景在冬天能够持续比较长的时间。由于低垂的太阳和清冷的空气的影响，日出后的几个小时以及日出前的一两个小时内是拍摄的最佳时机，因为这段时间有理想的拍摄光线。天空的颜色会随着大气层中尘埃、水滴等物质的数量发生相应的变化。你肯定见到过这样的场景：在清晨或傍晚，有时候太阳和天空看起来红彤彤的，而有时候太阳又会悄无声息地升起或落下。4、白平衡：白平衡可以影响照片中光的颜色效果。在自动模式中，相机会试图以中立的色彩再现你所拍摄的景物。因此，为了在照片中再现拍摄场景当时的色彩氛围，使之达到理想的色彩效果，手动调节白平衡是明智之举。5、正午的光线：正如前面提到的那样，有时候所谓“正午的光线”其实在早上6点钟就已经出现了。这时候背光区域的阴影很重，拍摄这样的场景时，天空的蓝色也会反射在照片中。从摄影的角度来说，阳光充足的地方会让人觉得无聊而无望，因为这样的光线是拍不出理想的自然照片的—吃顿早餐或者再小憩片刻是个不错的选择。当然，你也可以利用这段时间，将注意力集中在拍摄对象的细节上或是人为制造一些阴影—这样的话，阳光充足的背景就与人造阴影形成了充满魅力的对比。对光线有限的洞穴而言，正午恰恰是最合适的拍摄时间—在美国著名的羚羊峡谷，人们只有在中午才可以见到那里神奇而独特的光线。随着天气的变化，光线会在中午发生戏剧性的变化。如果这时突然下起雷阵雨，你就需要特别注意。从摄影的角度来说，暴风雨过后的平静是特别有趣的场景。除此之外，我的经验还表明，在这样的天气中，原本无聊乏味、一成不变的场景很快就会发生改变，呈现出一种恢弘而强烈的氛围。阴霾的天空为所有主题提供了拍摄条件，在厚厚的云层—柔和而均匀的光线—的遮挡下，拍摄出的照片效果最好：植物、景物的纹理、精致的细节与茂密的树林都适合在这样的天气状况下拍摄。6、在夜间：夜晚的光线大多都很暗，但是如果你习惯了黑暗，就会有发现黑暗中也蕴藏着色彩。在满月的夜晚，月亮把景物照耀得如此明亮，以至于摄影者在长时间的曝光下几乎可以再次获得“正午的照片”—借助相机的特性，光线得以不断追加，从而在传感器上产生厚重的阴影与浅淡的色彩。7、顺光：如果太阳正好位于摄影者的背后，那么这就是我们所说的顺光。除了令人不快的特性之外，根据阳光入射角的不同，摄影者的影子也会被摄入照片，这种类型的光线是所有光线方向中最不吸引人的一种。顺光照明不利于在照片中表现空间立体效果，因为通常情况下这种光线不会在照片中塑造太多的结构，得到的不如说只是二维的影像。但是顺光能很好地体现景物固有的色彩效果—明亮的晨光或暮光通常非常强烈，能够使整个场景都沉浸在鲜艳的色彩中，在这样的情景中借助顺光拍摄是一个不错的选择。8、侧光：如果光线是从侧面照到景物上的，这就是我们所说的侧光。侧光经常会让摄影者很激动，因为它可以形成强烈的阴影，极佳地塑造风景。9、逆光：来自被摄物体背面的光线照明，就是所谓的逆光。尽管这种光线很容易使被摄物体曝光不充分，但是逆光仍然是光线中最振奋人心、最具戏剧性的光线。在逆光照明的条件下，景物大部分处在阴影之中，只有被照明的景物轮廓是清晰的，逆光拍摄能够使照片获得丰富的层次。
图像-调整里的工具可以调，经常用到的有“色相/饱和度”、“曲线”、“色阶”、|“色彩平衡”等。

7，现代摄影各个流派

现代摄影艺术虽然风格各异，内容五花入门。但有一个共同点，就是与传统对立。用新的思维方式来认识社会生活，以新的审视角度来研究摄影的表现对象，在摄影创作上表现出形成的多样化，包括摄影艺术价值观念的新变化。如果说有什么特点的话，那就是多种选择。交叉运用多种视觉语言形式，包括照片，绘图和文字来表述思想。现代摄影特点是求新、求变，他们不断在探索前人从未涉猎过的那些领域，因而必然会带来在观念或形式上的革新。“现代”并不仅仅是时间的表述，而是它的艺术风格，这种风格的特点就是对传统摄影的反叛。一、画面内容的不确定性传统摄影鲜明的主题，是一种单向性思维方式，只能触及表层，并不能全方位地认识外在世界。现代的艺术创作是个复杂过程，在这个主体交叉，五光十色的矛盾运动过程中，摄影家以自我情感为中介，听凭艺术想象力来构制形象。只有不确定性才会调动观者的思考，也才能反映复杂多样的外在现象。标题上大多中性，不带任何感情色彩，观众无法从中窥见作品的意义指向。照片越完整，多义性的可能就越小。现代摄影艺术，则努力破坏画面的完整性，以阻挠观者明白。这种在表现上的广泛性、不确定性就是产生多义性的心理基础。现代摄影家认为，正是这种照片在作品的容量与表现力方面，才为其内涵提供了无限扩展的可能。二、表现形式的多样性传统摄影先期以来只接受一种模式，一种较单一的外在形成。这种表现形式的单一性，阻碍了摄影艺术的发展。现代摄影在形式上注意摄影家对于外在客观的主观意念和个人感受。现代艺术摄影家不断地改变着人们的视觉经验和审美方式。毕加索说过：如今艺术的发展趋势是，只用最纯的艺术已经不够了，要用所有形式的艺术才行。西方现代摄影艺术作为一个重要的文化现象并不是偶然产生的，它的存在和发展有着客观的现实基础。三、客观现实与主观情感传统摄影家把写实作为艺术的本质特征，他们以客观现实作为表现对象，以真实和具体的视觉形象塑造出具有美学价值的艺术作品。现代摄影艺术认为，以再现客观现实为主要目标的摄影活动已经过时。认为摄影艺术不应局限在纪实的表层范围内，摄影应跨越自身的局限，从客观世界进入主观世界，探索和寻求新的语言形式。现代摄影艺术从客观走向主观，这是与西方的艺术思想分不开的。存在主义的哲学思想已风行整个西文世界。他们以为，在人们之外不存在任何现实的东西，只有个人的感觉和智能方面的意识才是现实的。为了了解世界的本来面目，就要揭示人的内心情感。他们拍摄的对象不是客观现实，而是追求一种心理和精神的表现。客观外界的事物，只不过是摄影家表达个人内心情感的载体。四、观者参与的互动性一幅作品潜在的美学特征，只有在观者的理解和参与活动中，才能获得艺术生命力。传统摄影家是让观者被动地接受其作品，而现代艺术摄影家则是让观者主动参与和积极介入。在现代艺术的发展中，观者的参与意识是现代意识中一个十分重要的观念，这是与整个现代文明中，人的主体意识的强化同步。观者愈来愈多地参与了艺术家的探索，共同介入艺术创造过程。只有观者把各自不同意识契入照片中时，照片的创作过程才告完结。观者的参与，扩展了表现度。现代摄影家在作品展出时，常常营造出一定的气氛，以便于观者的介入。现代摄影艺术的一个重要特点是，他们不把作品看作是最终目标，而把作品的最后完成权交给观者。现代摄影家并不想让他的作品流芳百世，而只是想让观者进入他的艺术境界。现代摄影家认为，传统摄影利用是纯熟的技巧，驾驭光影色彩，结构等造型语言手段，塑造出美化，虚假画面，这些作品是观者容易看懂和看得习惯的。而现代摄影家，他们要改变观者对作品的欣赏习惯。在表现形式方面，表现畸形和荒唐反常的景象，是为了引起观者的惊奇和困惑。他们常以荒廖的思维原则和矛盾的表现方法，以极端矛盾对立、不可思议的方式来展示世界。五、跨越时空打破空间界限，冲破瞬间观念，在作品中拆除具有某种完整意义的视觉时空表现。他们反映的现实不存在于普通的三度空间中，而是存在于人们心灵臆想的空间内。他们把超现实、梦幻和潜意识当作艺术创作的源泉。六、美丑观念的更新现代摄影的另一重要特点，就是对传统审美价值的怀疑和挑战。现代摄影家表现出对丑的偏爱，反映了他们对传统摄影崇美抑丑的反叛。他们认为丑是千变万化的。而且丑比漂亮的美有着更丰富的内涵。现代摄影家认为：形式越可怕，也就越有吸引力。排除预先的拍摄目的和意图，而去强调无意识的机缘性或偶然性，追求艺术创作上的自然无为。他们淡化典型，选择生活“原生态”面貌。使观者按照事物的本来面貌去观察，去直接感受生活。拍摄的题材并不重要，关键的是这些东西安排在一起时所产生的视觉效果。传统的艺术摄影作品是有秩序的完美的整体，每个细节都被安排在最佳位置上，与主题无关的内容都被删除。现代摄影艺术认为这是僵化的创作形式，而随意性的游离状态才是最好的选择。毫无规范性的表现手法，才能给艺术表现上带来最大的自由。现代摄影本身可以算一种流派，和其他摄影流派也会产生交集。可以搜这个~~让现代摄影具有文艺复兴的品质~~和这个~~世界摄影艺术流派简介~~
画意摄影流派产生于19世纪80年代，到20世纪20-30年代早期终止。【画意派】：主张摄影师表现自己的个性和才华，不依附传统模式。强调画面中影调、线条、平衡等美学元素的重要性超过照片的现实意义。当时，画意派很少采用类似拼贴、叠合等方式产生类似绘画的效果，而是通过直接的拍摄和采用特殊工艺的制作。 如果说在19世纪时，技术门槛还是画意派的天敌;那么如今，胶片时代大师们所面对的难关几乎变得不值一提。归根结底，画意的“准入证”并不高，凡是懂得画意本义的摄影师都可以做得很好——因为目前的技术手段和辅助道具都超越了前人的想象。但事实上，关于画意摄影——不管从业者在行业中的分工如何、地位几许，对这个题材一直多有保留。但在门类如此繁多的发展道路上，针对如此庞大的市场，摄影师无一不希望自己的作品变得更美。在这样的背景下，“画意派”这个在胶片时代曾经一度辉煌，历经凋零的摄影类别，静悄悄地敲响了复苏的战鼓。

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