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1，我见青山多妩媚巴山写意摄影

一一多次翻看了张先生的“青山多妖媚”后，谈点读后感；这组作品国画味特浓，称它为“画意”作品可能更切贴些。第一和倒数六张作品我认为是其精华之作，其水墨效果非同一般，大有；层层山峦白云锁，级级禾畴紫雾封”之意境。诗情画意用在此处一点也不夸张，第一幅富有哲理的题诗，增添了画面的观赏性。总的感觉在题诗落款和压章的处理上有些不尽人意。能获大奖难得，难得！
听起来真叫人心酸~~~~这是我们的财富。向故去的华元先生致敬。愿他的世界，以及所有热爱着美的人们的世界，都充满了诗情，和人性的光辉。

我见青山多妩媚巴山写意摄影

2，帮忙赏析这张照片

不错的照片！其一：用光、构图均很到位；其二：老人的神态抓的好；其三：寓意深刻，有回味感，你看老人虚化的背景一间破旧的小房子，但老人依然一脸的幸福感，好感染人啊。
知足者长乐！长寿命！
朴实并享受着.
该照片主题突出，意思明了，无论是曝光、神态、构图都不错的。 个人见解：照片右下角的黄胶鞋裁到一半，要么就不留，要么就一双整的；从照片看，前景有什么东西挡着没处理好。
照得很好！·
1.暴光精确 2.景深把握好 3.瞬间抓取到位 4.构图合理

帮忙赏析这张照片

3，你读了这句话有启发吗找一幅桥的绘画和摄影作品赏析这幅作品的

作者再写乌镇的小河两岸时，这样来写其中的石桥：“每当其间显现一座石桥时，仿佛发闷的苇丛做了一次深呼吸，透了一口舒畅的气。”请大家闭上眼睛想一想，就象《孤独之旅》中的杜雍和和杜小康一样，在密密的苇丛中行驶，突然出现一座石桥，是不是有一种透了一口气，豁然开朗的感觉？下文用了“细柳飘丝”和“晓风残月”这两个出自诗歌的词语，给人一种处在图画中的感觉。宋朝时，婉约词人柳永在他的雨霖铃中这样写道：多情自古伤离别,更那堪冷落清秋节.今宵酒醒何处,杨柳岸,晓风残月.可以知道在桥上观赏晓风残月是很美丽的，可是下文中作者又说：“即使碰不见晓风残月，也令画家消魂！”更说明了石桥的美丽《呐喊》创作于1893年，（挪威语Skrik，也译作《尖叫》），是蒙克最著名的代表作，也是表现主义绘画著名的作品。被认为是存在主义中表现人类苦闷的偶像作品，和其他作品的惯例一样，他一共画了四个不同版本的《呐喊》。蒙克在世纪之交时期创作了交响乐式的《生命的饰带》（TheFriezeofLife）系列，《呐喊》属于这个系列。这个系列涉及了生命、爱情、恐惧、死亡和忧郁等主题。有人认为该作品反映了现代人被存在主义的焦虑侵扰的意境。红色的背景源于1883年印尼喀拉喀托火山爆发，火山灰把天空染红了。画中的地点是从厄克贝里山上俯视的奥斯陆峡湾。这套组画题材范围广泛，以讴歌“生命、爱情和死亡”为基本主题，采用象征和隐喻的手法，揭示了人类“世纪末”的忧虑与恐惧。油画《呐喊》，是这套组画中最为强烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在这幅画上，蒙克以极度夸张的笔法，描绘了一个变了形的尖叫的人物形象，把人类极端的孤独和苦闷，以及那种在无垠宇宙面前的恐惧之情，表现得淋漓尽致。
自己百度摄影论坛。找周庄古镇类的摄影分析。什么都有。
你好！作者仅代表个人观点，不喜勿喷，谢谢。

你读了这句话有启发吗找一幅桥的绘画和摄影作品赏析这幅作品的

4，外国一个摄影家专门拍摄人与动物的照片很亲密很自然这个人是

格利高里·考伯特（Gregory Colbert），一位加拿大摄影家。他属于那种现在非常少见的艺术家，没有和任何画廊签约，过去十年里也没有开过一次作品展，不曾接受任何的采访。他就好象处在“地下”状态，不被人们注意，只有那么几个富有的收藏家在支持他，为他提供资助。 他所关注的是人与动物之间那种神秘的联系。从1992年起，他已经作了27次长途旅行，到达了世界上的各个角落。他甚至还连着几个月租下远洋轮。总之，他的那些简洁的摄影作品拍起来是既费钱又费事。现在，42岁的考伯特终于将他这些年来的成果公开展出了。 对他来说，这些作品不仅记录了他本人的观察，同时也揭示了一个永恒的王国，人类在其中与各种动物，比如大象、鲸鱼、海牛、猎鹰、朱鹭和仙鹤，共同生活，互相交流。 《尘与雪》是一部记录着人与自然的纪录片，美得让人震撼，它的每一个画面都可以截取下来作为一张完美的照片，这和《尘与雪》的拍摄经历十分不开的，下面来介绍下《尘与雪》的前身： 1992年，格雷戈里开了一个小型摄影展，几位收藏家十分欣赏他的才华，要求订购更多，他于是拿起相机开始异域远征，十三年的行程把他带到了埃塞俄比亚，纳米比亚，汤加等很多国家。由于只有少数几位富有的私人收藏家有缘先睹为快，一般人对格雷戈里作品的了解十分有限，这更增添了他的传奇色彩。在这之前，格雷戈里从未公开拍卖过自己的作品，不过还是有很多人慕名而来，对超过6万美元的标价趋之若鹜。这些收入为他下一次远征拍摄提供了经济保证 在拍摄过程中，格雷戈里时常被眼前的景物所震撼。比如我们看到了大象和孩子们在一起，你不用去担心大象会伤害孩子。“斯里兰卡每年有几百人为大象所杀，因为他们离大象的迁徙路线太近了。这种成人与大象的冲突已有近百年历史。而斯里兰卡只有一起儿童因大象而死的事件，那是他跑时掉进了井里，大象不伤害儿童, 他们之间没有冲突。”或许这是生物世界的潜规则，抑或许这是原本存在于自然的和谐。在他看来，大自然有着一种轮回般的诗意，正如他在远征过程中拍摄的纪录片中，由美国著名演员劳伦斯·菲什伯恩吟诵的诗句一般——羽变火，火变血，血变骨，骨变髓，髓变尘，尘变雪。 有些人怀疑格雷戈里作品的真实性，可一旦了解了他不凡的经历之后，这种的想法就会立即烟消云散。“你不需要对大自然做任何美化，这世界已存在了几十亿年，而人类只是初来乍到。” 在历程中，当然也有让格雷戈里最为难忘的故事。在太平洋，他和他的“良师益友”——55吨重的抹香鲸结伴遨游，完全脱离氧气瓶的束缚。当已存在5千万年的生命向他游来时，潜水已经不重要了，天地间惟有奇特的舞步存在。当鲸无意中要吞没他的时候，格雷戈里并没有恐惧，因为他知道为自己所热爱的事业丢了性命，其实是一种恩赐。 格雷戈里的理想是把《尘与雪》带到全世界。纽约站的展出结束后，流动博物馆就会被拆卸，运送到洛山矶，之后还会巡回南美，欧洲和亚洲。而在他44岁这年，格雷戈里·考伯尔又将拿起相机，再次上路。“在作品的第一部分, 我想要和60种动物合作，于是我花了13年，拍了29种。我希望自己能长寿，在接下来的15年，把60种全都拍完。”《雪和灰》是对大自然最真切的礼赞，激发人们的希望，积极的。 艺术的真谛是来源于对于生命的热爱，也许正是由于那种爱的存在，美才会永久地被保存下来。不管是装置艺术，玻璃制品，墙上涂鸦还是自然摄影，不同领域的艺术家们用他们独到的眼光和方式，延续着一场人间艺术的盛宴。

5，艺术原来可以这样看系列谁看过好不好看

艺术眼 (共10册), 是一套艺术欣赏入门丛书。一共为三辑，10本。有点不好意思地说明一下，其实这套书是面向小孩子出版的，宣传语是“第一套真正写给孩子看的艺术入门书”。这本《艺术原来可以这样看》是第一辑的第一本，作者弗朗索瓦芭布-高尔是法国艺术史学者，“她致力于为大众开启通往绘画艺术之门，为此创立了如何欣赏画作协会（CORETA）”。书中，第一部分是作者建议家长带孩子去看画展（这在我们这种小城市的生活中就比较难实现了），还特别强调要让孩子根据自己的兴趣去欣赏，以此激发他们欣赏绘画的热忱。第二部分则是就一些画作和博物馆的常识问题进行解答，最后第三部分“作品赏析”板块里，介绍了30副比较有代表性的画作，然后根据她对本书读者划分的三个年龄段（分别是：5-7、8-10、11-13），从这三个理解层次去进行讲解。你可以看到根据这种方式的讲解，是一个从画作的主题、表达形式、表达情感方面，由浅入深的挖掘过程，根据每一个阶段的孩子的吸引力的不同，我们要在他们可以理解的层面去引导他们欣赏画作。比如，对于5-7岁的孩子，他们比较容易受到鲜明的颜色、画面的立体感、说描绘的事物的逼真等等，他们能体会的情感很直接：笑容，哭泣，生气，吃惊等。所以当我们对孩子讲解的时候，就要特别注意这些问题。没错的，当初就是想买给JJ的，可是你也知道，大部分买给孩子的书，其实是家长有点自我补偿的意味在里头，另外，毕竟他还没能自己阅读，于是我就想着倒不如先让自己读读，以后也可以给指导一二。书到手的时候令我雀跃极了，对于一个初级艺术欣赏爱好者，这套书的角度可以说是非常和蔼可亲，既没有专业理论，更没有专业术语，只是用简洁明了的语言，引导我们该怎么样去欣赏，去理解，去感受。我将自己自动代入11-13这个年龄段，呵，我们不得不承认，在我们所受到的教育里，确实缺乏欣赏画作的课程。美术课虽然一直都有，可是它似乎永远都是美丽数学语文英语的配角，时不时就给挤掉了。现在不用担心，如果你真的有兴趣把这堂艺术欣赏课程补起来，也非难事，只要买下这套书就可以。但这套书有一个非常让我郁闷的缺点，就是整本书都是铜版纸印刷，一来价格不菲不在话下，还会反光，所以读起来很不舒服，我经常是直接举过头顶来看的。这可能是因为铜版纸印刷质量较好，能更好地展现这些名作。遗憾总是无处不在啊。相较于之前读过的傅雷的《世界美术作品二十讲》，这本面向孩子的《艺术原来可以这样看》就太贴近大众了，更适合入门学习。我把它说得这么神乎，到底是怎么一回事呢？我就以达芬奇《蒙娜丽莎》为例，介绍一下这本书的解说特色。1、画作这位女人世人皆知她是“蒙娜丽莎”，但其实她的名字是“丽莎”，蒙娜丽莎是丽莎夫人的意思。在法国，她被称为“乔孔达夫人”（她的姓氏）。2、画面为什么这么暗？起初画作不这么暗，这是由于随着时间流逝，颜料老化所致。3、为什么人们总说蒙娜丽莎很美？确切地说，人们评价的不是真正的蒙娜丽莎这个人的美丽，更多的是指这幅肖像画的美丽。4、这幅画为何这么出名？每一幅画作的名垂千史，都是因为它在艺术创作上的独树一帜。在达芬奇的《蒙娜丽莎》之前的肖像画，一般都是表情固定，但达芬奇却在画作中呈现了一个转瞬即逝的微笑，仿佛是定格在某个瞬间，随后它即将消失。更神秘的一点是，我们不知道这个微笑时刚开始还是快结束。5、虽然画作中蒙娜丽莎的微笑倾国倾城，可是，这似乎不是一副欢快的画。这是因为，明暗色彩在创作上是有重大意义的，明代表善，也是上帝；暗表达恶。贝多芬抛开了旧有的传统宗教观点，不惧怕使用“暗”色彩，而是从科学视觉原理出发，平衡明、暗关系。善恶抗衡的世界，转瞬即逝的时光，寄生这个其中，你感到如何呢？以上5点只是比较简单的解析，如果真正对一副画作产生强烈的感情，我们自然不能仅仅满足于此，所以作者很贴心，书中还有附录，介绍了8位跟她同样是简洁清晰风格的作者参考书目，以及3个专门的艺术网站。
南洋十大邪术、降头

6，拍照要找哪个角度才最好具体

摄影作为一种艺术表现形式，要求模特在镜头前特殊的表现力。这种表现力的形式，除了借助气氛的烘托，光的运用，角度的调整，视点的切入外，模特的主观表达意识和客观情绪的流露会起到画龙点睛的作用。 一幅成功的新闻、风景摄影作品，不要求"画中人"参与作品的构思和表现意旨。但服装、广告、人像摄影中的模特无疑是作品的灵魂，能起到令一幅作品从平庸呆滞走向出神入化的视觉感受。 因此，模特面对镜头的技巧至关重要。 "功夫在诗外"。作品体现出的模特风采绝非快门开启的瞬间形式，而是长期以来个性的发展，修养的积累，表现手法的揣摩，对自身的认识以及对摄影作品意图领会的综合结果。 成为摄影师乐于拍摄，广告商和企业愿意使用，同时使受众过目不忘，又赏心悦目的模特，以下几点尤为重要： 一.首先要认识到自身的长短 扬长避短是摄影师处理人像效果的主旨，也是模特自身发挥特质的基础。没有人是完美无缺的。通过对以往的照片形象进行认真审视，发现自身的优点和缺陷所在，并与摄影师协商可能的解决各种方案。 二.认识自身的与众不同之处 特质是模特不流于贫庸，能吸引众多视线的决定性因素。仅仅是美并不足以形成强大的冲击力。或如东方的含蓄温婉，或如西方的明朗艳丽；或至纯，或至媚；或有笔墨书香，或具山野气息。。。。总之，凹现与众不同的自我才有可能出人头地。 三.自身涵养的体现 轻浮浅露不能令一幅作品有过人之处，也是模特的大忌。内外结合的美感会通过镜头展现出来。即便是外行的完美也难以达到神与形的完美契合。 四.熟悉并挖掘各种表现手法 模特需具备展现多种有表情的能力，瞬间即可表现出不同种类的喜怒哀乐，并能够基于自身的特质形成独自的风格。 五.体会作品意图，溶入自身的构思 成功的摄影作品不仅仅是摄影师独立创意的结果，而常常是模特与摄影师共同达成的某种默契。模特下意识地参与摄影师的构思、构图、用光等具体操作，并赋予摄影师意外的创意灵感。真正溶入摄影师的创作过程将是一种非常愉快的合作经历。 总之， 每一名模特都有自身的长短之处，镜头前面的感觉也各有千秋，因而表现的技巧很难一概而论。关键在于模特自身的不断调整，以及准确的塑造能力。作为一名广告摄影模特，设法对自己进行由内至外、由表及里的素质"包装"，才能期望得到良好的市场效应。
摄像头首先你要买的好一些的，现在市面上的像素高些的弄一个。摆放位置，不能直对着摆，顺光摆，窗口在左测，你把摄像头放面偏左一些，如果窗口在右侧，你可以把摄像头放高一些，你的坐位也虽着抬高。具体你可以自己调一下，只要记住不能直对着摄像头就行。
侧45度，仰角拍摄OK！
拍照片的角度，不仅对表达拍摄内容起重要作用，对形成优美的构图也是不可缺少的重要环节。 1.俯视。即拍摄时的位置高于物体，从上向下拍摄。其特点是视野辽阔，场面大，景物全，可以纵观全局。多用于大场面。 2.平视。即与被摄体在一个水平线上。其特点是透视效果好，不易产生变形。 3.仰视。即相机低于别摄物，其特点是可使景物拍的宏伟，高大。 除了高低拍摄外，还要对景物横向选择。正面构图，线条结构对称，稳定，有庄重，威严的气氛。但它缺少透视感。侧面构图，立体感强，能产生空间敢和线条透视的效果。背面构图，绝大数是为了内容的特殊需要而采用的，它能显示出特殊的效果。 不同的拍摄角度，能直接影响画面构图。除了正确运用角度外，还要靠在实践中去体会摸索了。 这涉及到摄影技术， 一般来说，顺光摄影和侧光摄影出的照片效果都是比较好的，（顺光即太阳在你身后，侧光即和光成一定的角度，逆光就是和光线相对）而逆光摄影拍好时则会拍出黑影，光晕等现相 当你目测到风景不错时，就应该考虑光的方向了 风光摄影，你最好有一部广角端强劲一点的相机，广角端应要28mm的（越小越好），因为广角越小拍出的单照片画幅就越大
如何选择拍摄角度 拍照片的角度,不仅对表达拍摄内容起重要作用, 对形成优美的构图也是不可缺少的重要环节. 不同的拍摄角度,拍出的照片差别很大.变换一下 角度,能直接影响画面结构. 例如,在同一距离,同一高度,用相同焦距的镜头, 采用仰角,平角,俯角拍出三张照片,虽然前后景物 没有变化, 而画面内包括的内容就不同了.如果采用不同的高 度, 在同一距离,用仰角,平角,俯角再拍出三张照片, 就会发现前景和后景的变化很大. 这就说明相机与被摄物体的角度不同,产生的效果 也不尽相同. 镜头角度的高低,直接影响画面中的水平线和空间 深度的改变. 俯视, 即拍照时相机的位置高于物体,从上向下拍摄.其特点是视野辽阔, 能见的场面大,景物全,可以纵观全局.这种方法多用于拍大场面.比 如拍摄粮食大面积丰收,草原及成群的牲畜,交通枢纽,水面等.如果 俯角较大,虽没有广阔的场面,拍摄特殊题材时也有其独特效果. 平视. 即相机与被摄物体大致在一个水平线上.这种角度接近人眼的习惯 印象.平视构图的特点是透视效果好,一般不易产生变形.这种方法 顺手,方便,不需要任何附加设备,但拍出的照片很少有变化,也不新颖. 初学摄影者习惯用平视角度拍照. 仰视, 是从下向上拍摄,相机低于被摄物体,拍出的照片地平线低,仰角拍摄的 特点是,可使景物拍得宏伟,高大.如拍建筑物,有直插云霄之感,拍高台跳 水,以蓝天作背景,显现出无能运动员有凌云之势,腾空飞翔之感.低角度 拍摄,还可舍弃杂乱的背景,使画面简洁,主体突出. 选择高低角度的同时,还要对景物的横向角度加以选择. 以拍建筑物为例,是拍正面,侧面还是拍背面,要多方观察. 定好角度后再进行构图.再如拍摄人物头像,不妨围绕被 摄人物,结合光线,脸形等特点,细心观察,在最美最理想的 角度进行拍摄.选择角度,主要服从于内容的需要,哪一方 面最能体现被摄物体的特征,最富有表现力,就在哪个位置 拍摄. 正面,侧面,背面拍摄,各有特点. 正面构图,线条结构对称,稳定,有庄重,威严的气氛. 但正面构图缺少透视感受,容易呆板. 侧面构图,立体感强,能产生空间感和线条透视的效果. 如用侧面拍摄人像,能充分显示优美姿态和面部表情. 利用光线的明暗反差可增强立体感.这是通常使用较多的 角度. 采用斜侧面拍摄,景物在画面中有一部分正面,还有一部分侧面, 可以突出被除摄物体的整个轮廓. 背面构图,绝大多数是为了内容的特殊需要而采用的,能显示出 特殊的效果,背面拍摄,也有许多印象深刻的好作品 这要靠在实践中去体会摸索了!
45度，不要俯视，不要用广角镜头

7，如何描述一幅摄影作品的意境q

摄影艺术作品意境,摄影艺术中，意境体现在以下四个方面: 一、 体验生活的意境注入 摄影艺术作为一种特殊的精神生产，它的突出特点是把摄影家强烈的主观因素渗透到摄影创作之中，并且“ 物化”为艺术作品和艺术形象，因此，摄影家的内在精神世界显得尤其重要和突出。故摄影家自身的感受、 意境、思想、心境、愿望、志趣等因素，对于摄影创作活动都有着至关重要的作用。正因如此，摄影家必须 具有超出常人的丰富意境。杜勃罗留波夫曾经说过，在思想家与艺术家之间，还有这种区别，后者的感受力 要远比前者生动得多，强烈得多，他们两者都是根据他们的意识已经接触到的事实，来提炼自己的世界观的 。可是一个感受力比较敏锐的人，一个有艺术家气质的人，当他在周围的现实世界中，看到了某一事物的 最初事实时，他就会发生强烈的感动。由此可见，作为摄影创作主体的摄影家，对待生活绝不能冷若冰霜， 也不应象思想家、科学家那样冷静客观地对待事物。摄影家艺术修养的全过程，也是培养和陶冶自己深挚的 艺术意境的过程。 艺术意境是伴随着体验生活能力、艺术构思能力和艺术表现能力的提高而逐步丰富和深挚起来的，在摄影创 作的全过程中始终充满着艺术意境，没有意境的艺术形象是苍白的、无力的、没有生气和神韵的。摄影作品 之所以能以情动人，就在于摄影家在其中饱含着、凝聚着、燃烧着强烈的思想感情，艺术意境之所以成为艺术创作和艺术思维的重要特征之一，也在于在艺术思维的每一个环节上都渗透着、伴随着与之相应的艺术意境。因为艺术意境是摄影工作者对客观事物所持态度的一种情绪体验，所以，只有具有深厚的艺术修养和对生活认识深刻的摄影家，才会在摄影创作中产生深刻而真挚的意境;才会在生活对象面前自觉或不自觉地产生“浮想联翩，夜不能寐”的艺术创作激情，才会在摄影作品中表现出感人至深的艺术形象。 欧威特认为自己的摄影创作思想极为简单:“我力图使观众获得快乐，但我首先要求的是富有意境、具有人性的照片。 在今天的世界上，太多的事情都是由毫无感情、缺乏人性的人干的。我的意思是有的照片即使能引人入胜、充满机智诙谐，技术上也完美无暇，但若不具有个性，那它便失去了作为一张有趣的照片所包含的神韵。”因此，从事这种创造性活动的艺术家必定是具有丰富意境的人。 二、 再现生活的意境表达 摄影家在进行艺术创作时要善于将意境对象化为艺术形象。托尔斯泰认为，艺术创作就是用“动作、线条、色彩、声音以及言词”塑造形象来传达意境，美国哲学家苏珊?朗格将艺术创作视为“人类意境符号形式的创造”。摄影艺术创作作为一种意境活动，是用摄影的独特符号系统来表现人类的崇高意境，因而摄影艺术创作对主体思想意境的表现呈现为一种“表现美”。 摄影家在进行摄影艺术创作时，总是按照自己独特的方式审视被摄对象，对被摄对象进行审美改造和艺术加工，自觉或不自觉地渗透进自己的态度、情绪和意境。因而，塑造的摄影艺术形象凝聚着主体的审美认识和审美意境。当审美主体直观到自身的意境时，便会因满足而获得美感。创作主体的审美意境直接支配着整个摄影艺术创作过程:从审美体验、艺术构思到艺术传达;从审美表象、审美意象到艺术形象，甚至从具体的取景、构图、布光到后期制作，每个阶段，每个环节都不同程度地流露出主体的态度、情绪和意境，体现着主体的审美理想和艺术情趣。 审美意境对摄影艺术创作的支配，还体现在主体意境表现形式的多样性上。在摄影艺术创作过程中，主体意境的表现有两种形态:纪实形态和象征形态。摄影本身的纪实属性决定了纪实形态是摄影艺术主体意境表现的主要形式。创作主体或“寓情于景”，或“借景抒情”，将主观意境潜藏在客观写实的艺术形象之中。摄影家表现意境，一方面直接抓摄现场瞬间氛围和人物瞬间情绪，直接拍摄被摄对象的喜怒哀乐悲等意境，深入发掘心灵深处的意境变化;另一方面由于摄影家对题材的选择，主题的提炼，构图的取舍和光影的控制，不知不觉将自己的主观情绪和意境揉进了艺术形象中。而现代摄影诸流派的创作手法来营造“主体意境的表现美”，将主体意境掩藏在点、线、面的构成关系之中，或潜藏在“无明确含义”的象征符号之中，认为客观对象只是主观意境表现的物质依托，只有削弱其现实时空意义，才能渗透进主体的意境，才能将欣赏者的注意力引导到对作品意境的发掘。摄影艺术意境的表现形式有“情景交融”和“情理交织”。我国摄影艺术的意境，与传统的绘画和诗歌一样，多借助自然景物而呈现为一种情景交融的诗情画意。摄影家开拓意境，或以“情”传神;或以“神似”求“形似”;或在“有限的画面”中表现无穷的“画外画”和“像外像”，情和景交融互渗，才发掘出最深的景，一层比一层更深的情。景中全是情，情具象而为景。当摄影家因体验人生、体验社会生活而触发意境，萌生创作冲动时;当这种意境与人类的意境，与时代的意境相通时，感性意境升华为理性意境，转化为具有客观必然性的意境，便取得了情与理的统一，呈现为一种在有限画面中表现出无限理性外延的意境。 三、 摄影作品中的意境交流 摄影作为一种艺术，其作品就不能仅满足于人的视觉愉悦感，而更应去观照人的心态和揭示人的本质，因此摄影作品的目的也不仅仅是再现客观事物和形象，而应当考虑如何揉合进作者的意境，使作品超越有限的方寸具有更深邃的内涵。摄影艺术作品作为审美意识的物化形态，其内容不是纯客观再现的生活，也不是逼真摹写的生活，而是经过艺术概括，饱浸着摄影家思想意境，审美理想和艺术追求的生活，是一种心灵化的生活和心灵物态化的生活。因此有人说史密斯的作品在深深地感动着每一个懂照片和不懂照片的人，他的影像看不出技术性的语法，只有意境上的的语言，连不识字的人都会产生共鸣。因此，摄影艺术作品的内容不仅包括摄影家能动反映的生活，还包括摄影家对社会生活本质的发掘。概括地说，摄影艺术作品内容的构成，除了呈现的“客观再现”的内容外，还包括凝聚的“主观表现”的内容。体现在摄影作品中的主题是摄影家通过艺术形象表现出来的思想意境，表现着摄影家对社会生活的主观思考、态度和意境，表现着社会的意境和人类崇高的意境，表现着时代的意境和民族的意境。 摄影艺术作品中的表现形式是创作者得以表现意境的物质基础，点、线、面的安排，画面布局的择取，影调、色调、明暗及形体组合的处理产生了“有意味的形式”，才具有了一定的审美意义，同时也具有了承载或传递某种意境的属性。每一种具体的摄影艺术表现形式都对应着特定的心理感受，都能引起或优美、或抒情、或炽烈、或豪放、或优郁等对应的心理反映和感受，能表达出个人、群体、社会或民族的特定精神，这就构成了“形式的内容”。 在摄影艺术鉴赏活动中，欣赏活动必须建立在对作品直接感受的基础上。只有首先对作品进行感知，才能读解和阐释其内容和意境。摄影艺术作品的内容与形式因素一齐呈现在观众面前，直接作用于眼睛这种审美感官，让观众充分地感知和尽兴地体验。观众的观赏活动和意境活动正是建立在对影调、色彩和对艺术形象直接感知的基础上，才实现了从感性认识到理性认知的飞跃。因此作品内容与形式决定着欣赏者接纳的意境和生发的意境，即进行着意境交流。 四、 鉴赏过程的意境共鸣 艺术欣赏中的共鸣是指欣赏中的一种心理现象，在欣赏过程中欣赏者的思想感情同作品蕴含的思想感情相通或基本一致，产生感应交流，引起一种强烈的情绪激动。托尔斯泰在《艺术论》中对共鸣的描述是:“这种感觉的主要特点在于:感受者和艺术家那样融洽地结合在一起，以致感受者觉得那个作品不是其他什么人所创造的，而是他自己创造的，而且觉得这个作品所表达的一切正是他很早就已经想表达的”。 意境的共鸣来自两方面的移情力，一是创作者“移我情”，将自我意境移入作品;一是意境物态化的作品对于欣赏者，产生“移他情”的魅力。所以艺术传递意境是一种双向运动:一方面是创作主体表现意境;一方面是鉴赏主体体验意境和生发意境。摄影艺术鉴赏活动中的意境主要来自三个方面:被摄对象的客观意境，摄影家的主观意境及鉴赏者生发的意境。画面上表现的“被摄对象的客观意境”其实并不“客观凝聚着摄影家的主观 意境，而鉴赏者生发的意境也只是对这种意境的一种反映形式。所以，鉴赏主体的意境活动，归根结底表现为两种形式:一是体验画面表现的意境和潜藏的意境;一是触境生情，生发的意境。在摄影艺术鉴赏时，鉴赏主体所体验的意境与生发的意境，往往与创作主体表现的意境和鉴赏客体(作品)呈现的意境存在着不一致的现象。这种“不一致”产生于客观和主观两方面的原因。客观因素是指内心意境的复杂性和转移性。意境往往是多种意境的并存，各种意境之间相互渗透、相互影响和相互转化。主观因素指摄影创作主体的态度和鉴赏主体的态度:鉴赏主体在体验作品的意境时，不可避免地受到自己生活经验、审美经验、文化修养、审美能力的影响，自觉或不自觉地按照自己的思想意境、审美理想和艺术情趣对画面意境进行“再创造”。一位西方的美学家举了一个例子:那些坐在船舱里读报的人们只是为了打发时间想尽快过河，而坐在甲板上欣赏景色的人们都是对旅途的短暂感到遗憾。对前一种人来说，过河是实际目的，对后一种人来说，浸沉于美景的欣赏，超越了他渡河的实际原望，他获得的是一种审美经验。如此看来，产生意境共鸣主要看主体的意境态度。 “人们用语言传达思想，而用艺术相互传达意境。”作品中的意境是决定作品成败的关键，是贯穿摄影艺术中最不可或缺的灵魂。
搜一下：如何描述一幅摄影作品的意境q

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